卡通发展简史
什么是卡通？
“卡通”，是一个在国内被人们使用得非常混乱的词语。有人把动画片叫卡通，有人将漫画称为卡通，有的将一页多格的连环漫画称为卡通。其实，“动画”、“卡通”和“连环漫画”三个词语在定义上是有区别的。“动画”，国际动画组织（ASIFA）的定义是：“除真实动作或方法外，使用各种技术创作的活动影像，亦即是以人工的方式创造的动态影像”，其英文名字是Animation。“卡通”，则指以漫画绘制画稿再由摄影机逐格拍摄而成的影片。英文名字是cartoon。我们有时将那些用卡通手法绘制的漫画书也称为卡通。而“连环漫画”，指一页多格的用漫画手法描述的连环画故事，也有人称“故事漫画”、“新漫画”。其在英文中对应的词汇是comic。它与我国传统的上图下文的连环画有着本质的区别。
美国和日本是当今世界最有实力的动漫大国，代表着世界动漫艺术的两极。美国动画以迪斯尼动画为代表，风格夸张、动作和表情丰富、轻情节而重幽默；日本卡通则正好相反，风格写实、动作和表情简单、重情节而少幽默。美国动画比日本卡通起步早，但日本卡通在亚洲的影响及对亚洲市场的占领，却要远胜于美国。
美国卡通简史
一、草创时期（1896-1937）
19世纪末，美国漫画开始起步，一些周日报纸的副刊经常登载连环画。其中最早的连环漫画Richard Felton Outcault的“The Yellow Kid”（黄衣孩童）于1896年2月16日在纽约出版。1897年3月，这些漫画再度出现在周日的报纸上。从此以后，一个全新的阳光产业——漫画诞生了。19世纪末至20世纪30年代初，许多出版商为迎合读者开始制作卡通书。尽管这些公司大多现在已不存在，但他们制作的形象却在人们心中留下了永恒的印象。其中许多人物，如“Little Orphan Annie”（孤儿安妮）、“DickTracy”、“Popeye”（大力水手）、“Mutt & Jdff”、“Little Memo”、“Buster Brown”等等，至今活跃在电视荧屏上。1910年，Jeorge Herriman 开始企划最早的“喜剧动物”——小疯猫的形象，连载于日报连环画“楼上一家人”中。到1916年，小疯猫已在周日漫画中成为风靡一时的卡通明星。1929年1月，为新奇特公司工作的George Delacorte出版了第一部4色漫画新闻出版物《趣味》系列漫画，第一位女性漫画家Victoria Pazmino经常在该刊物上发表作品，脱颖而出。与此同时，儿童读物“Tarzan of the Aoes”由Hal Foster执笔，开始每日连载，不久便成为著名的早期连环画之一。1933年，在Harry L·Wildernberg和Max C·Gaines的推动下，东方彩印公司将“Mutt & Jeff”、“Joe Palooka”、“Reglar Fellas”等漫画制作成漫画书，在商业上取得了巨大成功，现代漫画由此正式诞生，东方彩印公司也因此成为著名的出版滑稽漫画的公司。1934年5月，第一部正式漫画刊物《著名漫画》由东彩公司发行，该杂志在其后的20年里一直畅销，取得了史无前例的成功。这一时期，一些后来成为经黄的作品也开始出现，如Alex Raymond于1934年1月推出的第一部Flash Gordon的漫画见诸于众，美国科幻漫画粉墨登场。
20世纪初，动画片也开始出现。在爱迪生实验室工作的英国移民布雷克顿用粉笔素描雪茄和瓶子，拍摄了被称为“把戏电影”(trick film)的《奇幻的图画》(The Enchanted Drawing)。1906年，他又制作了《滑稽脸的幽默相》(The Humorous phases of Funny Faces)。这部影片被公认是世界上第一部动画影片。1907年，他将动画技巧运用到影片《鬼店》 (Haunted Hotel)上，轰动一时。但当时人们并没有意识到动画片的艺术价值，布雷克顿的注意力也在这之后投到了其他方面，没有在动画业上继续发展。布雷克顿之后，注意到动画艺术潜质的第一人是美国人温瑟麦凯，他于1911年制作了生平第一部动画片。1914年，他制作的动画片《恐龙葛蒂》(Gertie the Dinosaur)公映，这部影片把故事、角色和真人表演安排成互动式的情节，大获成功。随后，他又制作了电影史上第一部以动画表现的纪录片《路斯坦尼雅号之沉没》(The Sinking of the Lusiitania)。由于布雷克顿和温瑟麦凯的成功，动画片厂如同雨手春笋般出现。1913年，美国第一家动画公司在纽约设立，一些流行连环漫画，如《说谎上校》、《马特和杰夫》、《小疯猫》等纷纷被搬上荧幕。1915年，赛璐璐胶片发明后，画家不用将每一格的背景都重画，只要将人物单独画在赛璐璐上而把衬底背景垫在下面相叠拍摄便可，大大地提高了动画片的生产效率。这一年，Max Fleischer发明了“转描机”( Rotoscope)，它可将真人电影中的动作，一五一十地转描在赛璐璐片或纸上。Max Fleischer在1916年到1929年创作的《墨水瓶人》(Out of the Inkwell)和《小丑可可》(Koko the Clown)就是利用转描机绘画的动画片。1919年，菲力猫在Pat Suliivan公司的Otto Messmer的孕育下在《猫的闹剧》(Feline Follies)中首次登台，受到了广大观众，尤其是知识份子的欢迎，并在此后长达10年的时间里成为最受欢迎的卡通明星。另外，菲力猫的周边产品，如菲力猫玩具、菲力猫唱片、菲力猫贴纸……也受到了儿童的欢迎，一套延续至今的电影销售模式由此建立。菲力猫因此成为美国首只成为商品的卡通角色。这一时期，对动画作出贡献的人还有声名赫赫的Dave Fleiischer、Paul Terry、Walter Lantz等人。而20年代到30年代创造出来的动画人物，如大力水手(Poppeye)、乌乌啄木鸟(Woody Woodypecker)，直到今天依然脍炙人口。
20年代末，迪斯尼动画开始崛起，沃尔特迪斯尼的名字，以及他所创造的一系列卡通角色，特别是领衔排名的米老鼠(Micky Mouse) 、唐老鸭( Donald Duck)名扬世界。迪斯尼在这一时期拍摄的著名影片有：1928年推出的以米老鼠为主角的卡通动画片《汽船威利》(Steamboat Willie)、1927年首次用多层式摄影机营造视觉深度的影片《老磨坊》(The Old Mill)、1927年1932年推出的第一部《白雪公主》(Snow White and the Seven Dwarfs)、第一部彩色卡通长篇剧情片综艺彩色体卡通《花与树》(Flowers and Tree)等等。迪斯尼因此也成为美国动画业的中流砥柱。
30年代，许多动画公司如雨后春笋般纷纷成立。好莱坞遂渐成为美国动画工业的中心。如1930年成立的凡伯伦制片厂(Van Beuren Studio)于1937年推出的动画片《猫和老鼠》(Tom and Jerry)大获成功。此外，华纳制片公司(Waner Studio)则在1934年成立动画部，迎合大众需要以生产喜剧卡通为主，代表作有《快乐旋律》(Merrie Melodies)、《疯狂曲调》(Looney Tunes)、《猪豆子》(Porky and Beans)、《达菲鸭》(Daffy Duck)、《邦尼兔》(Bugs Bunny)系列作品等等。此时，动画不但成为一项专门的职业，也成了大众喜闻乐见的艺术形式。
黄金时代（1938-1956）
1938年4月，美国超级英雄中最早的一位，也是最著名的一位超人——Superman在《动作漫画》中亮相。美国漫画也以此为标志进入了黄金时代。
1933年一个炎热的夏夜，当时还是孩子的Jerry Siegel在克里弗兰的家中辗转反侧，彻夜难眠。好不容易进入梦境中时，一个有着不可置信的力量的未来人出现在他眼前。他激动万分地从床上起来，并写下未来人故事的细节。天亮之时，他心目中的英雄逐渐变得清晰起来。他迫不及待地跑到12个街区之外的哥们儿Joe Shuster的家里，把构思讲给Joe Shuster听。于是，两人开始写作故事脚本。Superman的故事有了雏形，并在二人的努力下逐渐流传开来。早期的Superman故事受到了Philip Wylie于1930年发表的科幻小说《斗士》的启发，带有明显的“斗士”痕迹，如力大无穷、一跃40英尺、胸膛可以将子弹弹回等等。不过，Superman一开始命运多桀，Joe和Jerry给报界投稿，因为它过于超前，许多编辑不愿意接受。如《纷呈》认为超人是“一部十分不成熟的作品”。不过，这部漫画却被McClure辛迪加的编辑Sheldon Mayer一眼看中，并将它推荐给《DC漫画》的老板Harry Donenfield，Donefield曾经从Joe和Jerry那买过一些作品，对他们比较熟悉，他买下Superman之后要求二人重写。于是，Jerry Siegel和Joe Shuster花了3周的时间，完成了Superman最初的13页的漫画。5年后，Superman正式在《动作漫画》上发表，并大获成功。而《动作漫画》也因为连载Superman，销量由原来的2千份跃居到50万份。1939年1月16日，超人开始在报纸上连载。到1941年，美国大约有300多种报纸每天都在连载Superman的故事。Superman也因此成为美国人心目中最棒的科幻英雄。
伴随着Superman的成功，Bob Kane开始认真地策划一个披袍的超级英雄——蝙蝠侠。Bob Kane最早在1934年就有了蝙蝠侠的想法，其灵感主要来自于达芬奇飞行器的绘画，当时他设想了许多名字，如蝙蝠侠、鸟侠、鹰侠等等，最后，他选定了蝙蝠侠作为披袍英雄的姓名。而蝙蝠侠戴面具、有着神秘身份的设想，则来自于电影《佐罗》。蝙蝠侠的名字“布鲁斯”和他居住地的名字“圣城”则是Bill Finger的创造。蝙蝠侠和Superman不同的是他没有超级能力，他主要独行于黑暗之地，专杀那些游荡于法律之外的坏人。蝙蝠侠的魅力来自于它引人入胜的故事和新颖别致的画风。蝙蝠侠故事最早刊登于1939年5月的《漫画探询》，此后便长年出现在各种漫画杂志上，成为人气仅次于Superman的超级英雄。
Superman和蝙蝠侠的流行最终造就了美国漫画超级英雄时代的来临。1939年秋，报摊上摆满了形形色色的超级英雄漫画，如《蓝甲虫》、《奇异人》、《奇侠》等等。这些超级英雄有一个共同特点是：肌肉发达健壮犹如健美冠军、拥有常人无法具备的超能力、不断地打倒邪恶的敌人拯救世界。1940年2月，Will Eisner 开始了他的连载漫画《鬼魂》（The Spirit），Spirit与其他超级英雄有所不同的是他有幽默感，不穿斗篷和紧身衣，只穿西装戴宽沿帽和眼套，比其他超级英雄的更暴力、更成熟。这一年，Bob Kane为蝙蝠侠增添了一个伙伴——罗宾。罗宾承载着每个少年的梦想：不用上学，没有家庭作业，住豪宅，开蝙蝠车……罗宾的出现也引来了无数青少年的崇拜。
太平洋战争期间，美国出现了战争与爱国主义题材的漫画：1940年Dell出版了第一部战争题材漫画《战争漫画》，1941年，Joe Simon 和Jack Kirby创造了爱国主义典范《美国船长》（Captain America）。主人公Steve Rogers是个瘦弱的年轻人，他被宣判不能入伍，却梦想着为国效力，于是，他报名参加了一个制造超级士兵的计划。Steve服用了超级士兵血清，成为了拥有完美大脑和肌肉组织的超级士兵。这部作品在当时产生了巨大影响。1941年底，为了打开女性漫画读者的市场，M.C.Gaines和Williaim Moulton Marston博士签约，并和漫画主笔Harry peter一起创造了美国漫画史上最著名的女英雄《女奇侠》（Wonder Woman）。事实证明了Gaines准确和敏锐的判断，女奇侠出版后受到女性读者的极度欢迎和青睐。
1943年，战争造成的纸张紧缺限制了漫画的发展。Max Gaines于1944年离开DC，组建了“教育漫画”。基于用漫画教育的目的，Gaines出品了《美国历史故事系列漫画》、《世界历史故事系列漫画》和《科学故事漫画》。随着战争的结束，从前的漫画主要消费群体士兵们退伍之后，漫画市场需求减少，美国漫画的销量因此锐减。
二战结束后，纸张危机宣告结束，大量的新兴漫画诞生。这一时期，一些原子时代的漫画超级英雄开始登场。如《科学漫画》和《原子》。不过，这些超级英雄漫画的场面越来越暴力和血腥，引起了家长和教育界的忧虑。1945年春，美国财政部首席监督心理顾问弗雷德里克·魏斯曼博士的《引诱无辜》出版。他在书中大力抨击漫画，认为漫画是毒品，会对教唆青少年犯罪，必须严加取缔。这本书的出版对漫画业产生了极大的杀伤力。
1948年，Fawcett的牛仔故事《蹦蹦跳跳的卡西迪》在市场上销售出了前所未有的800万册。于是，又一个漫画风潮——西部漫画开始流行起来，《西部漫画》、《双枪小子》、《火焰卡森》等漫画陆续出版。同时，另一个极受欢迎的漫画题材——警匪漫画也受到读者的亲睐。Williaim Gaines将《EC漫画国际》改成了《国际警队》，之后又加入了《为正义而战》。同年出版的《连环凶杀》在封面上赫然打出了“少儿不宜”的字样。随着成人漫画的出现，漫画业成为大众抨击的对象，反对漫画的呼声也越来越高。1950年4月，EC漫画以《恐怖的地下室》、《墓穴惊魂》等恐怖与暴力漫画揭开了新的流行时尚——骇人的画面、黑白颠倒的情节。这类漫画即使在今天看来，仍然不适合未成年人阅读，但是在当时却受到的广大的孩子的喜爱。反漫画的浪潮因此爆发。这一年，有人向美国参议员委员会提交了关于漫画对青少年具有负面影响的报告，这一报告虽然没有马上得出结论，却好象火上浇油一般，使家长和教师不问青红皂白，将所有的漫画列为禁书。立法机构也颁布了限制乃至禁止漫画销售的条令。迫于销量的压力，许多漫画变的更加暴力、阴暗。所有的这一切都造成了漫画“黄金时代”的结束和“白银时代”的到来。
三、四十年代，美国动画片也逐渐步入了“黄金时代”，并形成了强烈自主的动画风格：天真的视觉效果、清晰易懂的玩笑幽默、条理分明的技术表现等等。其作品极少批判人类的失败、社会状况，或是心理的纠葛，道德观极其单纯。1940年，迪斯尼拍摄的《木偶奇遇记》(Pino- cchio )与《幻想曲》(Fantasia)被视为迪斯尼最优秀的长片，迪斯尼影片的标准也成为其他片厂衡量动画影片出品的标准。
二战期间，沃尔特·迪斯尼公司经历了一段非常时期。1941年，迪斯尼公司的一批动画家为反抗迪斯尼的长期剥削，离开了迪斯尼。这些画家于1943年成立“美国联合制片公司”(United Productions of America，简称UPA)。UPA以极少的资金创业，大部份的艺术家以极少的报酬或甚至不拿报酬替它工作。UPA初采合伙制，由三个原属迪斯尼的画家：Za- chary Schwartz、David Hilberman和Stephen Bosustow组成。他们合作的第一部片《选战热潮》(Hell-bent for Election)是为法兰克林罗斯福(Frankiln Roosevelt)拍的竞选影片。UPA走了一条和迪斯尼完全不同的道路：迪斯尼的作品比较注重三度空间表现和写实路线，而UPA则偏爱平实、风格化的、当下流行的线条设计。由于资金来源很少，UPA无法负担迪斯尼的华丽成本，只能以“有限动画”(Limited Animation)的方式创作，用较少的张数来画，并加强关键动作，以强烈的故事性和有力的声部设计来带动剧情的发展。UPA的出现改变了人们以往对动画的看法。在不断地得奖之后，很快地，UPA有了自己的代言人物。如“马古先生”(Mr. Magoo，1949)和“波音波音”(Gereld McBoing Boling，1951)。UPA的画风也影响到迪斯尼的作品，如《Toot, Whistle, Plunk, and Boom》(1953)。UPA的代表作有《兄弟情》(The Brotherhood of Man)和《悬吊者》(Hangman)等等。
1947年沃尔特·迪斯尼公司创作出《灰姑娘》，1949年成立了沃尔特·迪斯尼音乐公司，1955年沃尔特·迪斯尼公司开发出第一个主题公园对公众开放。1959年，《睡美人》制作完成，这部耗时三年制作费达到600万美元的影片在当时曾造成不小的轰动效应。
50年代，好莱坞动画短片逐渐走向衰微，其原因一方面是动画制作费用高昂，很少短片能靠戏院放映回收成本，许多大公司的动画部门纷纷解散。此时，另一个新兴的媒体：电视开始兴起，舒解了动画制作的困境。各大片厂把旧动画的播映权卖绐电视台，累积了不少财富，30多年来这些不断重播的动画片收视率相当可观，也促使电视动画成为新的制片类型。
但因为电视有时间压力，制作上常是供不应求，因此必须采取有限动画的方式制作，而剧本更要能灵活应变。开始让电视动画步入正轨的是William Hanna和Joseph Barbera，他俩曾以“猫和老鼠”得到奥斯卡短片奖。1957年，他俩成立的新公司推出“罗夫和瑞弟”(Ruff and Reddy )，是关于一只狗和猫的冒险故事，做法比UPA的有限动画更有限，但是其彩色和伶俐的风格，却非常受观众欢迎，接着Huckleberry hound、瑜珈熊、摩登原始人等陆续跟进，电视卡通成了新的娱乐工具。
60年代，美国动画随着制作成本的提高，数量越来越少，质地越来越省，步入了黑暗时期。其表现形式也被定型为“周末早晨电视秀”和“儿童观赏的节目”。这种趋势一直延续到今天。在美国动画衰弱之时，走个人独立制作路线的日本动画开始与美国动画分割市场，在全世界造成了一股日式动画的旋风。
白银时代（1956-1970）
反漫画浪潮的爆发并没有使EC在漫画风格上做丝毫改进。1953年5月，EC又添加了《奇怪科学》和《奇怪幻想》。而这一时期，家长和教育界对漫画的反感也达到了登峰造极的地步。1954年4月，社会开始对魏斯曼“漫画有害论”作出反应，美国青少年犯罪调查委员会举行公开的听证会，魏斯曼来到法庭作证。他明确指出他的研究是绝对正确的，漫画无庸置疑是导致青少年犯罪增加的罪魁祸首；他甚至说对于漫画而言希特勒只是小儿科；儿童从4岁开始就受到漫画的毒害，因此所有漫画都须格杀勿论。公众、政府、特别是参政委员会对魏斯曼的观点深信不疑。参议院因此也下令颁布一个检查标准，杜绝漫画中的可能毒害青少年、败坏道德的内容。参议院调查报告发表之后，漫画出版商联合起来决定自行约束，以维持整个行业的前途。1954年10月26日，“美国国内漫画杂志联合会”成立，该联合会指定了一个“联合会内部检查标准”，并在通过这个标准的漫画封面上印上标记。这个联合标准虽然使得恐怖、警匪漫画几乎销声灭迹，牛仔漫画大为收敛，枪战场面明显减少，甚至搞笑的成分也缩手缩脚。但是，它也在另一方面伤害了漫画业，导致许多漫画出版社关闭，许多漫画家因为生活难以为继而改行另谋他业。美国漫画进入了“白银时代”。
1956年10月，《闪电人》开始在《秀场》杂志上连载，世界上最快的人——闪电人（Flash）的故事受到读者的欢迎，“白银时代”的第一位超级英雄正式登场。标志着“白银时代”的来临。这一时期，漫画业出现了许多变化，MARVEL在相当长的时间里度日艰难，几近崩溃；而DC也对Superman漫画添加了一些新的元素。
50年代末期，MARVEL超级英雄小组——《Fantastic Four》（《奇妙四人组》）诞生预示着MARVEL走出困境，漫画的MARVEL时代从此开始。《Fantastic Four》讲述一场异常的漫画风暴之后，宇宙飞船上的四个乘客获得了奇异的能力，变成了：奇妙先生、新人炬、看不见的女孩和“玩意儿”。自然的对话、独特的个性、新奇活力四射的艺术风格使《奇妙四人组》大获成功。1962年，《惊人的幻想》开始连载《蜘蛛人》——故事讲述了一个被一只带放射性的蜘蛛咬了之后获得超能力的高中生彼得·派克除恶扬善的故事。和其他超人性格相比，作者非常强调蜘蛛人的责任感。蜘蛛人的故事大获成功，并成为美国漫画的一个经典。
这一年，美国漫画史上另一部重要的漫画《X-man》开始连载。该漫画由Stan Lee和Jack Kirby共同创作，主角有独眼巨人、天使、冰人、Marvel女孩和野兽，这是一群在X博士领导下的的变异超人。不过，这部漫画在刚开始连载时并不成功，直到连载至第94期才出现转机，受到读者的欢迎。随着超级英雄漫画的重新流行，一些黄金时代的超级英雄纷纷归来，如被冷冻近20年的“美国船长”重新进入读者视野，罗宾和蝙蝠侠也结束了在奇怪星球上的冒险，重新做他们的老本行——侦探。《秀场》也带回了命运医生、时间人和幽灵。60年代的美国漫画融入了诸多波普艺术的特点，显得更加时尚和摩登。
60年代末期，除了MARVEL以外，其他的出版商的超级英雄漫画均显出衰败的迹象。整个漫画业的销量开始下滑。DC削减了好几个项目，其中包括在人们眼中又开始变的平淡无奇的《原子》和《鹰人》。美国漫画白银时代在60年代末、70年代初走到了尽头。
后白银时代（1970年至今）
1970年，没有一部超级英雄漫画可以挤进图书畅销榜，超级英雄题材开始走下坡路。新派艺术家Neal Adams和作家Denny O eil接管了《蝙蝠侠》后一改蝙蝠侠的时髦形象，还其原来角色的本色——黑暗、神秘，结果大功告成。之后，他们又着手改革《绿灯》，在1970年5月的第76期当中，涉及了当年的几十项社会问题，点到为止，火候正好。不过，令人遗憾的是，这些改革创举虽然使人们对漫画主人公重新有了好感，但对提高销量却没有多大帮助。1970年10月，MARVEL出版了Robert E.Howard制作的《蛮人柯南》。1971年5月，MARVEL出版了以柯南为主角的黑白杂志《野蛮人的故事》。该作品的编剧Roy Thoms将配角Red Sonja发展成柯南的同伴，小配角Red大受欢迎，Red的故事1977年结成专集出版。70年代初，《绿灯》、《神奇的蜘蛛人》等故事都涉及了反毒品题材，取得成功。这使漫画检查标准尺度开始放宽，重新获得足够自由的出版商再次尝试恐怖漫画：MARVEL出版了《夜行狼人》、《达古拉的坟墓》，DC出版了《黑暗宅邸中的故事》、《沼泽怪物》。1973年，恐怖题材正式回归：《弗兰肯斯坦的怪物》、《不祥的地下室》、《未知世界》纷纷出版，漫画销量大增。而配和电影制作的著名漫画《星球大战》出版后，一连再版了七次，并且每一版销量都超过100万的漫画，重现“黄金时代”的盛况。美国漫画业重新开始复苏，并取得了新的辉煌。
60年代末期，美国的动画业再度浴火重生，在怀旧的气氛下，人们重新审视30、40年代“黄金时期”的动画，并发现那个时代动画的美和魅力，的确是后来以“有限动画”方式制作的电视卡通所不能相比的。70年代初期，美国动画业面临人才青黄不接的危机，他们开始亡羊补牢，在各地的制片厂开设人才培训班，并在大专学校开设动画课程，让年轻人有机会创作动画影片。另外，动画片也逐渐向科幻片和幻想片的特效迈进。在随后的数十年时间里，美国动画依然是世界动画的领头羊，世界上唯一能和美国动画在商业上分庭抗礼的只有日本动画片。
日本卡通简史
日本是个动漫大国，据统计，日本目前漫画杂志及单行本的发行量占杂志和图书发行总量的45％，年出版漫画7000种以上，漫画年销售额达到2500亿日元以上。漫画的读者层涵盖了从幼儿直到四五十岁的成年人，漫画作品所涉及的范围有科幻、探险、政治、经济、奇闻逸事、恋爱、体育、历史、科学、宗教、幽默玩笑以及文艺小说、纪实报告文学等等，无所不包，是一种很重要的大众传播媒体。日本漫画人的收入也非常高，一般的漫画家，只要作品被连载，就可以买房买车。而著名作者的稿费更为可观。如漫画大师鸟山明每年向国家交纳的个人收入所得税达六亿日元，被人们称为“六亿先生”。最近由《游戏王》一炮走红的高桥和希更是刷新了这个记录。日本动画的样式也非常多，如有TV版（电视放映）、OVA版（直接上市销售。后来在晚间节目播放）、剧场版（电影院放映）等等。正因为此，动漫被日本人视为与茶道、艺妓、相扑相并列的第四大国宝。
纵观日本卡通发展的半个多世纪历程，我们可以大致将其分为三个阶段：草创期、发展期、成熟期。下面，我们对此进行简单回顾：
一、草创期（1950—1970年）
日本卡通最初起源于民间草笔，19世纪，随着欧美文化的入侵以及日本工业化进程的加速，开始有一些画师以绘画为职业谋生，一些画开始由单幅发展到有故事情节。不过，当时画师们的绘画仅仅是一种贫苦百姓自娱自乐的消谴方式，不登大雅之堂。日本明治年间(1870-1911年)，据说是法国画家乔治·比戈把现代漫画引进了日本。日本漫画家北泽乐天在乔治·比戈的基础上创办了日本第一份漫画刊物《东京小精灵》（Puck），以后又创办了《东天小精灵》、《家庭小精灵》。北泽因此被认为是日本现代漫画的鼻祖。
大正时期（1912-1925年），故事漫画的先驱者冈本一平赋予漫画文学的内容，日本漫画迈出了关键性的一步。与此同时，另一位漫画家麻生丰的长篇漫画《满不在乎的爸爸》也于1924年开始在报纸上连载。麻生丰是日本二三十年代的高产画家，他的作品反映了日本各个时期的社会问题，受到了人们的普遍欢迎。
昭和初期，以田中比左良、小野佐世男为代表的“风花雪月派”和以柳濑正梦为代表的“无产者派”开始兴起。1930年《读卖周日漫画》上登载了实户左行的《飞速太郎》。实户左行在美国学习过，他将日本传统绘画方式中所缺少的外国技巧吸收进来并加以运用，使日本漫画呈现出新的面貌。之后，少年漫画受到了人们的亲睐，田河水泡的《黑流浪汉》、岛田启三的《阿吉历险记》受到了少年读者的喜爱，而横山隆一的《健少爷》、《小阿福》受到了包括成年人在内的大部分读者的普遍喜爱。这一时期也是日本漫画改组的时代。1932年，近藤日出造、杉浦幸雄、横山隆一等人建立了新漫画派集团。这个集团一直延续至今，此外还有“三光漫画工作室”、“新秀漫画集团”等团体。漫画界呈现出百花齐放的局面。不过，日本军国主义的思想也在漫画中显现出来，如《黑流浪汉》讲的是一只四处流浪的狗参加了“猛犬团”，最后成为职业军犬的故事。作品采取拟人化的手法，反映了强烈的军国主义思想，迎合了当时日本发动侵略战争的需要。
随着日本军国主义化，漫画界也被强制集中了。1940年成立了统一的漫画组织“新日本漫画家协会。”四十年代初期，日本漫画创作停滞不前，直到战争结束。
战后，日本漫画界再次恢复了生气。漫画家以杂志、报纸为舞台，自由地对社会进行讽刺。横井福次郎1946年7月发表的科幻作品《不可思议国的普恰》是这一时期的成功作品。从战时就开始发表的《纳玛林王国的故事》、《松下井知夫》，也给人留下深刻的记忆。长谷川町子的《海螺》从1946年4月起开始在名古屋、札幌、福冈的三家地方报纸上连载，这些作品揭开了战后日本漫画的帷幕。
日本动漫在战后能得到飞速发展，与“日本漫画之父”手冢治虫的贡献是分不开的。手冢治虫1928年（昭和3年）出生于大阪府，名“治”，1939年改为“治虫”，并至死都一直使用这个名字。手冢14岁（1942年）的时候，中国万氏兄弟仿照《白雪公主》制作的《铁扇公主》在日本公映了，这部影院动画给少年手冢以极大的震撼，据他自己说正是因为受到这部影片的刺激，日后才走上了漫画创作的道路。
1945年日本战败，也正是在这一年，17岁的手冢进入了大阪大学附属医学专门部学习。第二年就开始尝试在报纸上发表四格作品，从此一发而不可收拾，走上了漫画创作的不归路。战后的日本，经济萧条，百废待兴，新旧观念和体制互相冲击，人人都像没头的苍蝇一样跟随着社会的旋涡沉浮。就在这个时候，在交换生活必需品的集市上开始悄悄流行起一种新兴的小画书，这种小画书成本低廉，制作简单，由于多以红色纸做封面，所以被称为“红皮书”。“红皮书”是最早的漫画单行本雏形。1947年，手冢绘制的红皮书《新宝岛》把电影、电视中变焦、广角、俯视等手法运用到儿童探险故事中，使人物都“动”了起来。这种耳目一新的模式一经推出立即受到了欢迎，在经济低糜的战后第三年，红皮书《新宝岛》通过非正常的发行渠道重版狂销40万册，许多人开始按照这种方法绘制漫画。这一年，手冢治虫只有19岁。
红皮书《新宝岛》是日本漫画表现手法的一次划时代的进步，它决定了手冢未来的道路，也改变了人们对于漫画的观念。当时的人们对于漫画的定义，除去单幅和四格的定义，就是像今天中国的连环画一样的概念：图片配旁白，画与画之间的关系靠文字联系。手冢创造性地将大量的电影拍摄手法引入漫画（如同景别的多角度拍摄），按照电影画面来设计，用类似电影里分镜的方法来决定画面的分配，将大小不同的画格排列在一起，造成类似镜头推移的效果，我们今天所熟悉的新漫画就这样诞生了。另外，在无声的漫画中体现声音，将象声字“画”在画面里，也是他的小发明。虽然在手冢之前也曾经有人在某些地方做过一点类似的尝试，但真正系统研究并确立这种全新观念的人是手冢治虫。在他之前漫画是以戏剧的表现手法来创造，在他之后漫画开始以电影的表现手法来叙述故事了。真正的comic，以《新宝岛》为标志开始起步。
1950年，手冢开始在《漫画少年》上连载个人的第一部长篇《森林大帝》，这部作品虽然在形式上借鉴了迪斯尼的《小鹿斑比》，但同样做为动物主角的这部作品却没有迪斯尼那样的浪漫，手冢试图探讨一些更加现实和深刻的问题。1951年，中篇《阿童木大使》开始在《漫画少年》上连载，阿童木以配角的身份出现在作品中。第二年，手冢经过重新构思将阿童木变为了新长篇连载的主角，《铁臂阿童木》正式连载。也是在这一年（1951年），手冢从学校毕业，全身心地投入到漫画创作之中。
《铁臂阿童木》是一部在日本、中国、东亚和欧美都具有广泛影响的作品。它问世后，很快引起了轰动。这部长篇连载故事加上后来制作的同名动画在电视播放，先后持续了13年，它不仅受到孩子们的喜爱，还改变了人们对漫画的偏见，那些以前认为儿童看漫画会影响学业甚至还会受到不良影响的家长们，开始鼓励孩子看漫画。而手冢治虫在日本漫画界如同神一般无人能及的地位，也就这样得以确立。
1953年，手冢开始在《少女组》上连载《蓝宝石王子》，这是公认的第一部少女漫画，在这部“面向女孩子的作品”中，手冢的关于动漫画应该按照不同的人群需要制作不同取向的理念得以贯彻。这部漫画又是日本漫画发展历史上的一个重要里程碑。从此以后，日本漫画有了少年漫画、少女漫画的区别，再往后，在少年、少女漫画的基础上，又派生出了成人向、中性向、SF向等不同的取向，日本漫画高度产业化的时代开始了。
1961年，手冢治虫制作公司成立动画部，手冢开始向动画领域进军。当时全世界范围内的动画领域以迪斯尼占绝对的统治地位，自从1937年世界第一部影院动画《白雪公主》获得成功之后，迪斯尼就确立了自己的一整套动画生产理论和制作流程，成为唯一的经典和规范。手冢治虫则以其特有的动画理念和操作方式，对迪斯尼的经典和规范进行了颠覆。
沃尔特·迪斯尼耗费庞大的资金，将真人的形态搬到银幕上，认真地研究着人物的每一个动作，物品的每一个弹性状态。这种精工细作的态度固然值得敬佩，但却也有着不能回避的局限性：高昂的制作成本保证了质量却限制了数量。而迪斯尼，也曾经因为《匹诺曹》的制造走到破产的绝境。按照这种规范操作，除了美国，没有国家做得起动画片。
面对市场的巨大渴求，手冢治虫进行了一场异想天开的革命——和他创作漫画的想法一样，手冢觉得与其关注人物的动作，不如去关心人物的内心。他认为最重要的是故事，只要故事好，就算是两张纸片也一样可以吸引人。在这种理念的指导下，手冢开发了一整套的制作流程，最大限度地节省制作成本：他尝试着为典型人物制作典型动作（这样可以在不同的背景下重复使用）；尝试着眨眼三桢，口动三桢的模式（迪斯尼要求口型与说话结合）制作对话。这种静态对话场面的使用大大节省了资金。另外，手冢对于影院片没有兴趣，他的兴趣在电视这一新兴媒体上，他要利用电视将动画推广给各个层面的观众群。由于思路及流程的正确性，手冢很快取得成功。而在随后的半个世纪里，经过无数动画工作者的努力，在今天，低成本、重故事的日本电视动画以数量为武器像蝗虫一样侵占了全世界的动画市场。它将迪斯尼困在经典影院片的古堡里，将欧洲动画打死在小小的学术沙龙咖啡馆中。有人形象地说手冢治虫发明了一个打击迪斯尼动画帝国版图的小锤子，并在上面轻轻地敲开了第一个缺口。因为这个缺口，日本动画才有今天两分天下的局面。
60年代中期以后，手冢治虫又开始向漫画创作更高的山峰攀登，开始了他一生中另外两部最重要作品：《火鸟》和《怪医秦博士》的创作。《怪医秦博士》塑造了一位反传统反社会，藐视经典权威的黑天使的形象，表达了手冢对社会与道德的思索。《火鸟》以火鸟做为线索，探讨生命的秘密讲述生命的故事。表达了作者对人类文明、生命的意义以及宇宙本源的思考。通过这两部作品，手冢向世人表明了动漫画的艺术内涵一点也不比其他任何艺术形式差。
手冢治虫一生绘画了近15万页漫画，创作了逾千个极具个性的漫画角色，编绘了500多个不同故事。另外，他把电影、电视中变焦、广角、俯视等手法运用到漫画创作中，给日本漫画的表现手法带来了划时代的变革。“新漫画”（也即人们常说的“日本式连环画”、“日本卡通”）由此起步。他之后的日本漫画家，基本上都受到了他的直接或者间接的影响。他还进军成人世界，制作了面向成人的长篇动、漫画，晚年又尝试过“实验动画”，在各个领域中的成就在国际上极负盛名。手冢治虫因此被人们尊称为“漫画之神”。为了纪念手冢的贡献，日本漫画界将漫画的最高奖定为“手冢奖”。1990年，日本东京国立近代美术馆史无前例地为一名漫画家举行展览，名为“手冢治虫漫画展”。漫画作为一门艺术，以此为标志登堂入室，被确认了在缪斯殿堂里的艺术地位。
1950—1970年的日本动漫画是确立风格与技法的一个时代，由手冢发展起的新类型漫画绘画，以剧情发展和人物塑造为主的娱乐故事，逐渐向题材的多元化延伸。这一时期，除了手冢治虫之外，山川总治的《少年王者》和福岛铁次的《沙漠的魔王》进一步完善了漫画，使孩子们能在幻想的世界里熬游；石森章太郎的《二级天使》、谷内六郎的《离家的孩子》、横山光辉的《铁人２８》、堀江卓的《风车剑之助》、前谷惟光的《机器人三等兵》等在当时都产生了极大的影响。而少女漫画中的女作家也大展才华，开始与男性为伍了。名例前茅的有上田俊子、牧美也子、花村英子等。1958年东映动画制作并公映了第一部彩色动画电影《白蛇传》，故事以我国家喻户晓的民间传说为蓝本，当时在日本本土和海外都得到很好的评价。60年代后的作品，包括《太阳王子大冒险》、《巨人之星》和《穿长靴的猫》等等，都对后来的日本动画的发展作出很大贡献。
另外，这一时期在大阪，连环画开始萌芽，月刊《影》和1957年创刊的《街》成为连环画的基地。最早使用《连环画》这个名称的，也是在《街》杂志社工作的辰已嘉裕。1959年在大阪以辰已为首，斋藤隆夫、佐藤雅旦、石川文安等人组织了连环画工作室。曾经是少年漫画家的千叶铁矢，以一部《地下室魔球》获得了成功。石林章太郎也不例外，他既有少女漫画《奇怪的奇怪的孩子》问世，又有被称之为少年漫画代表作的《机器人009》，显示出同时连载的雄厚实力。60年代初期，日本涌现出一群青年漫画家。他们朝气蓬勃、精力旺盛，创作了大批诱人的漫画作品。这时，日本漫画界又出现了一股新的潮流，即所谓的“租借连环画”，（这类作品主要是供给小摊贩租借之用）。租借连环画的主要读者层不再是少男少女，而是那些在日本高速经济成长中，从日本各地大量涌入东京、大阪等大城市中的青年人。可以说，租借连环画唤起了成年人对漫画的需求。无论在画技、故事情节，还是在日常感和现实感的追求上，租借连环画与手冢治虫的故事漫画都有明显的区别。作为这一派的著名漫画家有白土三平、水木茂、斋藤隆夫等。他们把自己的作品称之为连环画，其目的就在于表明自己与手冢治虫的不同之处。如果做个特征比喻，手冢的故事漫画具有陶器般的朴素、柔和；而连环画却极似瓷器那样硬质、严谨。
二、发展期（1970—1980年）
由于60年代日本动漫制作模式和发展方向的确立，70年代以后，日本动漫进入了一个发展时期。大批技术成熟、构思精湛的漫画家涌现出来，动漫创作题材也得到了空前的开发。宫崎骏、永井豪、松本零士、藤子不二雄、石森章太郎、安彦良和、赤冢不二夫等漫画家，在手冢之后成为日本漫画创作的中坚力量，他们在这一时期创作的作品，也成为日本动漫的经典之作。这一时期的代表作品有：《阿尔卑斯山的少女》、《疾风铁拳霸》、《雷朋三世》、《铁甲万能侠》、《恶魔人》、《宇宙战舰大和号》、《苦儿流浪记》、《小双侠》、《高立的未来世界》、《银河铁道999》、《机动战士高达》、《机器猫》等等。这一时期所掀起的动画热潮和人气，至今也未见衰落。
藤子不二雄的《机器猫》（又译为《叮当猫》）是这一时期最著名的作品之一。藤子不二雄是藤本弘和安孙子素雄两位漫画家联合创作使用的笔名。藤本弘生于1933年12月1日，富山县高冈市人。安孙子素雄生于1934年3月10日，富山县水见市人。从年龄上看，他们与手冢治虫是同一代人。这两位年龄只差３个月的画家，从小学开始就是同学，由于对漫画的共同爱好，两个人一直保持着密切的关系。1947年，手冢治虫在日本漫画史上具有划时代意义的新作《新宝岛》发表后，对藤本和安孙子素雄产生了重大影响，他们决心毕生投入漫画事业。起初，他们一起绘制电影漫画，并且在藤本自制的反射式幻灯机上放映，给附近的小朋友看，受到大家的欢迎。后来，他们向《少年漫画》等杂志投稿，共同发行《环》和《小太阳》杂志。他们共同创作的连环漫画《天使阿玉》被《小学生每日新闻》采用，连载了10章。当时，他们用的是安孙子和藤本的联名。1954年，两位20岁的年轻人为了创作出真正的漫画一起来到东京，寄居在安孙子的亲戚家里。东京一直是日本漫画事业的中心。半年后，他们搬进常磬庄，这里曾经是手冢治虫的住所。他们与同住在这里的本田广男等人结成了漫画帮。1963年，他们创建了零制作室，从事动画片的制作。制作室的主要成员有铃木伸一、石森章太郎、角田次郎。后来，赤冢不二夫也加入到里面。这些人后来都成为日本知名的漫画家。为了弥补制作动画的赤字，他们又成立了杂志部，推出了连载漫画《怪物Ｑ太郎》。该作品获得巨大的成功，成为他们事业的开始。
1970年，《机器猫》开始在小学馆的学年志上连载，一炮打响。聪明可爱的机器猫阿蒙（又被译为叮当猫）很快成了大小孩子们的好朋友，藤子不二雄的名字也走向全国，飞向世界。1979年，《机器猫》被搬上屏幕，成为最受观众喜爱的电视节目之一，直到今天还在播放。《机器猫》对于中国小读者的影响也是巨大的，从《机器猫》80年代末登陆中国至今，随时可以从自己的百宝袋中掏出各式各样的宝物、爱吃馅饼、害怕老鼠的机器猫一直受到孩子们的欢迎。而忠厚老实的野比、诡计多端的强夫、野蛮粗鲁的大胖，温柔可爱的静子，也成为中国小读者童年时代的亲密朋友。《机器猫》对于中国儿童文学作家的创作，产生了巨大的影响。中国新老两代童话作家的诸多作品中，都带有摹仿该作品的许多痕迹。
1989年，藤本弘和安孙子素雄两人终止了合作，开始独立创作活动。他们仍然继续使用藤子不二雄这个给他们带来巨大荣誉的共同笔名。不过，他们在名字中加了一点区别：藤本弘用的是藤子·Ｆ·不二雄，安孙子素雄用的是藤子不二雄Ａ。
70年代对后来的漫画创作产生巨大影响的另一部作品是《机动战士高达》。作品的时间设定在未来，内容讲述了一场长达百年的宇宙战争，主人公是在80、90年代的日本卡通中反复出现的人形作战兵器——“机动战士”。这部卡通巨著诞生的20多年来，“高达”这个传奇的名字，风靡了万千动画迷，喜欢他的人永远都是有增无减，他的影响力遍布有日本漫画的每个角落，无论是电视、电影、OVA、漫画、小说、CD、精品、模型、Card Game、RPG、Internet、电玩游戏都可以见到高达。《机动战士高达0079》是高达作品中最早的一部，也是最为经典的一部，其后的《机动战士高达》的系列TV版动画在动画界的每个时期都是最热门的焦点，它派生出来的相关的商品几乎支撑着半个动画工业。《机动战士高达》的凝重的历史观和英雄悲剧氛围一直是故事最大的卖点和令FANS最为之心醉的元素。虽然近年的《W》、《倒A》系列备受争议，但依然无损《机动战士高达》在日本社会的巨大影响力。因为与“高达”这个名字有关的故事实在太多了，对于刚刚入道的新手高达迷来说，要全面了解高达的世界是一件很不容易的事情。
松本零士的《银河铁道999》也是70年代涌现出来的一部卡通精品。松本零士1938年1月25日生于日本福冈县。1954年他上高一时，发表了处女作《蜜蜂的冒险》，获得“第一届新人王”奖。高中毕业后，他立志要当一位专业漫画家，来到东京，专画少女漫画。1960年前后，又向少年漫画挺进，用科幻手法绘制了《四次元漫画系列》。随后，他创作的《宇宙战舰大和号》、《宇宙海盗王哈罗克》、《1000年女王》等一系列大型科幻漫画问世，引起了巨大反响。1978年，松本零士的《银河铁道999》、《战场漫画系列》荣获第23届小学馆漫画奖；同年，“系列科幻漫画”获得第7届日本漫画家协会特别奖。《银河铁道999》讲述了地球少年铁郎为了追求具有永恒生命的机器身体，和谜一般的美少女梅蒂儿乘银河铁道999列车在宇宙中历险的故事。作品探求的是生命与永恒这一宏大的哲学命题，通篇弥漫着忧伤的情怀。每一位在少年时期读过这部作品的读者，都会被那列在深邃的空间中，挥发青春的时光，在追求中永不停止的999银河列车，感动得落泪。这部作品也是笔者在少年时代阅读过的最为感动的一部卡通作品。
《雷朋三世》是诞生于这一时期的日本动漫的代表之作。它讲述了绅士般的特务雷朋和身怀绝技的朋友在世界各地的冒险故事。故事想象宏大，场景慑人，雷朋的冒险每每叫人想起007，故事至今仍是长拍长有，拥有大量的FANS。
永井豪于70年代初创作的《铁甲万能侠》讲述了少年兜甲儿驾驶万能侠和侵略地球的地狱博士的邪恶机器军团作战的故事。万能侠开创了日本玩具的新时代，被日本玩具界奉若神明，一切与此有关的产品都相应成为焦点。1974年推出的第1期《铁甲万能侠》超合金玩具，当初出售时只卖1150日圆，到现在却炒到了100万日圆的天价。从这我们可以看出万能侠爱好者对它们的狂热程度。
《小双侠》开创了日本Q版漫画（“无厘头”漫画）的先河。故事中的“小双侠”是宇宙时间巡逻中心的时间警察，在每一个故事中，他们都会出动前往某一个历史时代，阻止恶魔党坐时间机器篡改历史。人物和情节轻松幽默，引发笑料无数。《小双侠》的表演形式是典型的漫画人物言行，大胆的Q版设计一直是广大观众群的最爱，动画里的闲角配角，在动漫迷中也有一定的人气。
70年代涌现出来的动漫经典还有《红发少女》、《装甲骑兵》、《网球飞凤》《传说巨神》、《忍者神龟》……这些作品大部分都是精品之作，每一部都有独立的系列和庞大的读者群。70年代的日本漫画几乎点击了漫画中的所有领域，从某种程度上说，70年代的日本动画，无论在艺术上，还是在商业上，都达到了后来者难以启及的高度。
三、成熟期（1980年—现在）
70年代世界经济的复苏，使日本的工业得到了异常迅猛的发展。日本在经济飞跃的同时，少年读者的精神生活需求得以剧增。另外，录像机的普及也使得OVA（原创录像动画）制作量增加，动漫的覆盖面因为这一技术的进步得到巨大推动。从工作环境上讲，动漫从业人员的创作条件和空间也有巨大的飞跃。而60、70年代以来持续不衰的动漫热潮，也在日本国内形成了一个固定的、庞大的消费市场。这一切，无不促使日本动漫由稳步发展走向彻底的成熟。
80年代至今的日本卡通，当以80年代的作品为重心，因为90年代到现在具有影响力的作品，基本上都是从80年代就开始创作的那些鸿篇巨制的延续。
80年代初涌现出来的精品数量非常多。其中较为动漫迷熟知的有：80年代初出现的高桥留美子的《福星小子》、美树本晴彦的《超时空要塞》、高桥杨一的《足球小将》，鸟山明的《IQ博士》、安达充的《TOUCH》……80年代中、后期出现的《圣斗士星矢》、《城市猎人》、《龙珠》、《机动警察》、《相聚一刻》、《机动战士Z高达》等等。此外，宫崎骏的系列动画影片、大友克洋的《AKILA》、菊地秀行的《妖兽都市》等动画电影也都是本时期深具魅力的亮点。
宫崎峻（Ghibli）是手冢治虫之后最重要的一位漫画家，也是一位可以被认为是漫画之神的人物。他的作品摒弃漫画的商业性，将漫画的艺术性推向了极至，是日本漫画史上第一位将动画上升到人文高度的思想者，同时也是日本三代动画家中，承前启后的精神支柱。宫崎在打破手冢巨人阴影的同时，用自己坚毅的性格和永不妥协的奋斗又为后代动画家做出了新的榜样。有人将他和中国的金庸相提并论，认为他和金庸一样都是通过“低俗”娱乐形式，传达思考者对人生、对世界的认识；两人在具有高度内省意识、不断否定自身思想的同时，又坚持以本国文化为作品精神内核。宫崎骏的代表作品有：《风之谷》、《天空之城》、《龙猫》、《魔女宅急便》、《红猪》、《幽灵公主》和《千与千寻》。
和手冢治虫一样，宫崎骏的动画生涯也是从“东映动画”开始，1965年秋，宫崎为高田导演的《太阳王子华伦斯的冒险》一片担任场面设计原画，这是两人合作的开始，同时也是宫崎动画生涯的第一步。1982年，经过多年等待，宫崎终于有机会向世人完整表达自己：他的卡通巨著《风之谷》于这一年开始在德间书店Animage杂志上连载。这是一部充满对战争、对人类文明反思的漫画“荷马史诗”，它讲述了人类文明损毁千年后，风之谷的公主娜乌斯佳身上发生的种种艰苦战事。《风之谷》前后断续连载了12年，这12年里，故事情节也发生了种种变化，主题从单纯的环保渐渐到对单纯环保发生怀疑，究竟是生存重要还是爱护环境重要呢？宫崎眼中，人是自然的对立面，两者不可调和。故事情节的变化实际也是宫崎的思考历程。这一主题在后来的《幽灵公主》中得到更进一步深刻展示。
也是在这一年，宫崎与另一个影响他一生的人——德间康快相遇了。德间作为全日本最大书店总裁，他敏锐地意识到宫崎的才华，并资助宫崎、高田两人创办工作室。1984年3月在德间资助下，剧场版动画电影《风之谷》上映，宫崎、高田组成二马力工作室，也即是Ghibli前身。1985年Ghibli工作室正式成立，开始制作《天空之城》。翌年，该片问世，获得很高声誉。宫崎峻作品的风格，也初见雏形。
Ghibli工作室坚持使用质朴的动画语言，在日本动画史上不断创造“草根”奇迹。由于它从不以盈利为前提，而且“痛恨”当时风行的粗制滥造动画TV长剧，因此，Ghibli几乎就是靠精工细制的剧场版活着。Ghibli为追求作品的高品质，基本不外接漫画改编，长期依靠宫崎和高田两人从剧本、原作到动画电影，一步到位地工作，连漫画出版都跳跃掉。这在保证质量的同时，其实也是在跟钱过不去。所以，在很长的一段时间里，Ghibli工作室在创造了高额利润的同时，保持着穷人的身份。
在《天空之城》之后，Ghibli同时制作了两部没有外星人、血腥战斗的回忆电影：《龙猫》、《萤火虫之墓》。《龙猫》（1988）选取战后日本质朴的乡村生活为背景，讲述了一对小姐妹和代表自然精灵的龙猫之间的友情故事。宫崎骏倾出全部对大自然的热爱创造出真实、美丽的朴素田园生活。片中多处景色抒写让人想起唐诗和中国山水，该片甚至囊括了该年度最佳摄影大奖。《萤火虫之墓》则是高田对战争的反思和控诉，其人文力量具有直透人精神骨髓的深度和力度。
这两部片子为工作室带来巨大荣誉的同时，也为他们带来了巨大的债务，幸好，商人主动上门请求将龙猫形象制作为玩偶出售。龙猫多年来的热销意外地弥补了Ghibli高额亏损。大概出于感激，GhibliStudio选择了龙猫作为工作室标志。后来，争气的《龙猫》还在美国售出了数量惊人的录像带。
1989年，探讨少年成长经历的《魔女宅急便》上映，这是Ghibli第四部作品，也是Ghibli成为票房保证的开始，它吸引了大约2.64亿名观众，成为日本当年度最卖座的电影。
1992年，宫崎骏开始转型，他撇开一贯的少年探险情节，选择了1920年的意大利为背景，以一只面临中年危机的猪面飞行员“波哥”作为电影《红猪》（红偺猪）男主角。实际上，猪脸孔的欧吉桑也是宫崎的自嘲，该片更像是自传，你在片中可以看到波哥充满自嘲的自述。在日本本土，“波哥”击败了《美女与野兽》和《虎克船长》的好莱坞攻势，稳稳占据票房首位。虽然Ghibli从不因市场考虑制作所谓“国际口味”影片，但《红猪》还是在法国、台湾等地获得了成功的票房成绩。
1997年《幽灵公主》（《MonsterPrincess》，日文名傕偺偺偼姬）上映，宫崎担任该片导演、剧本、原作。影片推出后因过于操劳，宫崎骏一度宣布退休。《幽》片选用日本中世纪室町时代为背景，描述人、神、魔三界之间争夺生存权的斗争。该片血腥的少女海报，已经预示《幽》将展现的残酷世界。《幽》片剧本酝酿16年，胶片总数多达13．5万张，另外，宫崎本人首次成功采用电脑CG上色为《幽灵公主》一片增色不少。当然，这位大师也趁机添置了天文数字价格的设备。幸好，《幽灵公主》成为日本当时有史以来第一卖座电影，Ghibli又一次改写了历史。
2002年，宫崎峻再创奇迹——他执导的动画片《千与千寻》获得了世界三大电影节之一的第52届柏林国际电影节的最高奖项“金熊奖”。这是继另一部日本电影《武士道残酷物语》（今井正导演）于1963年获得该奖项以来，时隔39年后的第二次问鼎。在嘎那、威尼斯、柏林三大电影节上，动画作品获得最高奖也属首次，它显示出日本动画片在国际范围内获得了相当高的评价，也表明了主流电影界对动画片的认可。另外，《千与千寻》自从2001年7月首映以来，截至2002年2月15日，其票房收入达到293亿3,600万日元，观众人数突破了2,267万，打破了由宫崎峻自己执导的另一部动画片《幽灵公主》所保持的票房纪录，也刷新了日本电影界的票房收入记录。
《千与千寻》描述了一位任性娇气的小女孩千寻在幻想世界里的冒险经历：她和父母不小心迷失在欲望之都--汤婆婆的家中。父母因为禁不住食物的诱惑而变成了猪，千寻的名字也被汤婆婆偷走，变成了游离在世界之外，没有来由的“千”。“千”为了找回自己和拯救父母，开始经历种种磨难。渐渐地千学会了忍耐（毫无怨言地做着汤婆婆安排的苦工）；学会了尊敬（帮肮脏的罗神洗去身上污垢）、善待常人（让无根漂泊的蒙面人有一个躲避风雨的所在）；培养了诚实的品德（帮白先生归还了他偷来的宝物）；找到了属于自己的爱（为白先生找回失落已久的名字）；实现了自己的诺言（让父母重新变成人）。
与宫崎骏前20年创作的主题不同，《千与千寻》里没有战争，没有田园的回归，没有人与自然的交锋，讲述的是一个单纯的关于成长的故事。宫崎骏以东方固有的美德完成了主人公一次奇异的成长礼。柏林电影界的评审团对该影片的评论是：“将少女的成长过程用丰富的想象力和高度的表现力描绘得淋漓尽致。”影评论家佐藤忠男认为，虽然宫崎骏导演的作品是面向儿童的，但大人们看了也同样深受感动，这显示了作品高度的艺术性。
如果说宫崎峻是日本艺术动画片的代表，那么，鸟山明则是80、90年代日本商业动漫的扛鼎人物。（鸟山明也对中国卡通产生了巨大的影响。90年初，他的作品《龙珠》和车田正美的《圣斗士星矢》进入中国时在大陆掀起了漫画狂潮。）鸟山明1955年4月5日（清明节）生于日本爱知县，小时候的鸟山明就特别爱画《铁臂阿童木》中的机器人。1978年，鸟山明在《少年跳跃》78年第52期上发表了处女作《不可思议的岛》。1979年，他又发表了几部短篇作品：《不可思议的岛Ⅱ》、《海拉渡假岛》、《女行警番茄》，其作品风格逐渐形成。1980年，他的长篇作品《IQ博士》（又名《阿拉蕾》、《天才博士》）在《少年跳跃》开始连载，由于其故事幽默可乐，引起了读者极大的兴趣。1981年，《IQ博士》被制作成动画，阿拉蕾常说的那些不规范的地方话一时成了大街小巷的流行语言，阿拉蕾的形象也被印制在各种商品上，日本人把这一年称为“阿拉蕾年”。在《IQ博士》连载的日子里，鸟山明还发表了一些短篇作品，如：《POLA＆ROID》、《PINK》、《骑龙少年》等，都十分有趣。1984年，长达285回的《IQ博士》连载结束。三个月后，鸟山明的惊世巨作《龙珠》开始连载，这部长达519回的作品，在《少年跳跃》连载了整整十年！《龙珠》讲述了一个带有很强的RPG色彩的传奇故事：传说世界上有七颗龙珠，只要能收集起来就能满足发集者的任何愿望。以孙悟空为中心的一大群朋友在冒险中成长，为了修炼更好的武术，孙悟空随龟仙人学习，参加一次又一次的武术大会，并消灭了妄想控制世界的红带军团和短笛大魔王。其后故事慢慢地变成了保卫地球、宇宙和平的战斗，孙悟空和朋友以及对手也在战斗中越来越强大，到了后来，几乎发展到打个喷嚏就可以毁灭地球的地步。1992年是《龙珠》发展的鼎盛时期，在它的影响下，整个东南亚形成了一个声势浩大的漫画热潮，而作品中的“气、冲击波、战斗力”，几乎成为当时街头少年们无时不刻挂在嘴边的口头禅。本作是推动我国漫画发展的最重要的一部作品，目前漫画界还没有一部作品能出其右。
80、90年代，故事题材的多元化、商业上的屡屡成功、OVA(原创录像动画)的批量生产，使适应各类层面观众的市场发展成熟起来。日本漫画也由从前少年漫画和少女漫画的简单分类中发展出更为细致与多元化的类别。现在的日本漫画至少可以分出以下类型：技击类、体育类、少女类、科幻类、历史类、言情类、侦探类、政治类、商业类、色情类等等。
技击类漫画代表性作品有：原哲夫的《北斗神拳》、车田正美的《圣斗士》、富坚义博的《幽游白书》等等；体育类漫画代表作品有：井上雄彦的《篮球飞人》、高桥阳一的《足球小将》等等；少女类漫画代表性作品有：五十枫优美子的《小甜甜》、桂正和的《电影少女》、CLAMP的《圣传》、《X战记》等等；儿童题材类漫画有：《蜡笔小新》、《樱桃小丸子》等等；科幻类漫画代表性作品有：大友克洋的《阿基拉》、士郎正宗的《苹果核战记》、桂正和的《DNA2》等等；历史类漫画代表性作品有：安彦良和的《大国主》、大和和记的《源氏物语》等等；言情类漫画代表作品有：柴门文的《东京爱情故事》、神尾叶子的《流星花园》等等；侦探类漫画代表性作品有：佐滕文也的《金田一少年事件簿》、青山刚昌的《名侦探柯南》、北条司的《城市猎人》等等；政治类漫画代表性作品有：池上辽一的《圣域》等等；商业类漫画代表性作品有：弘兼宪史的《科长岛耕助》等等；色情类漫画代表性作品有：《臭作》、《下级生》、《同级生》等等。另外，《福星小子》、《我的女神》、《机动警察》、《东京巴比伦》、《冒险海娜汀亚》、《美少女战士》、《乱马1／2》、《罗德岛战记》、《天空战记》、《机动战舰》、《魔神英雄传》、《宠物小精灵》、《浪客剑心》、《幽游白书》、《机动战士高达ZZ、V、G、W、A》系列、《新世纪福音战士》、《少女革命》、《青之六号》、《小孩子的玩具》等等，也是燃起整整一个时代的火热作品。
90年代后期，一味的追求商业上的成功和最大限度地榨取剩余价值，使几乎所有获得成功的作品都无一幸免地被倾销般推向市场，也使雷同化题材不厌其烦地在每个能赚取少年金钱的领域出现。能感动人和有趣的作品越来越少，出版社只能循环地“炒冷饭”。另外，电子游戏的冲击也是日本卡通疲软的一个重要原因。撇除商业上的成功不讲，90年代后期日本动漫的精品可谓少之又少。
90年代后期，《少年跳跃》、《小学馆》杂志已难以重现全盛时期的景象。以往在多本杂志连载的支柱故事逐一完结，富坚义博的《猎人X猎人》、尾田荣一郎的《海盗路飞》、荒木飞吕彦的《JOJO奇妙冒险》成了目前少年漫画作品最后的防线。虽然动漫作品推陈出新速度不断加快，但虚无主义和表面化刻画人物的快餐式作品却以批量生产，令人满意的作品可谓少之又少。
踏入新世纪，日本本土热播的作品有《游戏王》、《最游记》、《卡片少女樱》、《猎人X猎人》、《犬夜叉》、《封神演义》等，但这些作品已难以再现70、80年代的辉煌。2002年，宫崎骏《千与千寻》在艺术和商业上的巨大成功为日本动漫注入了一剂强心剂。日本动漫将往何处去？中国卡通是否可以迎头赶上，并成为后起之秀？我们很难就此下断言，只能拭目以待，并以一颗对动漫无限热爱的虔诚之心去祈祷与祝福。
中国卡通简史
香港漫画
我国香港地区的漫画始于清末。当时，广东南海人何剑士因为不满清朝腐败，在上海及香港各大报章刊物上发表了多篇讽刺漫画，启动了香港漫画发展的车轮。之后，广州画家郑磊泉受香港梁国英药局的邀请，到香港编绘《人鉴》画册。《人鉴》于1920年出版，为香港第一本漫画集。
何剑士和郑磊泉去世之后，香港漫画界沉寂了长达10年之久，各刊物的漫画主要是刊物内部的一些美术编辑自编自绘的漫画。1934年，香港《工商日报》出版《漫画周刊》、《总动员画报》及《挺进漫画》，另外，一些比较大型的杂志也刊登漫画，漫画再次在香港地区蓬勃发展起来。1937年，抗日战争爆发后，广州、上海、越南许多著名的漫画家都集中到香港来，包括由上海而来的“漫画宣传队”，其成员领队有叶浅宇、副领队张乐平，以及漫画家特伟、胡考、梁白波、廖冰兄、宣文杰、张伫、陶令也、陶谋基、陆志痒、廖末林、席以群、黄矛、叶冈、麦非、章西厜。从广州来的画家有李凡夫、林檎、潘醉生……等等，他们在香港成立了“全国漫画作家协会香港分会”。1939年，在全国漫画作家协会香港分会的主持下，香港第一次漫画展——“现代中国漫画展”在香港举行，掀起了香港漫画第一个高潮。这次漫画展参展的画家基本上是国内一流的漫画家，作品以抗战为主题，展览期虽然只有4天，观众却多达3万多人次，盛况空前。另外，他们还在香港出版了英文版的《今日中国》。之后，展览超过百次的“漫画宣传队”因政治和经济困难，被迫解散。当时，张光宇集合了全港漫画家一同出版了一本名为《如此汪精卫》的画集，产生了重大影响。
香港沦陷后，漫画家四处流落，香港漫画出现了一段空白期。战后，部份画家回到香港，他们参加了香港进步文艺团体的“人间画会”，并组成“漫画研究部”。1946年，由张光宇、廖冰兄主编的《这是一个漫画时代》出版。图书的作者有张光宇、廖冰兄、丁聪、特伟等，漫画的主题以反映当时社会黑暗为主，是香港战后第一本漫画刊物。这一时期产生重大影响的作品有：尖锐讽刺时局的廖冰兄的《猫国春秋》、集讽刺与幽默于一身的叶浅予的《重庆行》、以神话讽刺社会的张光宇的《西游漫记》等等。
新中国成立后至50年代中期，漫画家们纷纷迁往内地发展，香港漫画活动又沉寂了一段时间。1959年，香港漫画人李凡夫、李凌翰、陈子多、区晴、黄蒙田、郑家镇等人合资，出版了一本《漫画世界》半月刊。这本杂志掀起了香港漫画界的第二个高潮。一批优秀的漫画家也在这一大潮中涌现出来，代表人物有：王司马、王泽、香山阿黄、詹秋风、李硕祥、周行等。一些优秀作品，如《老夫子》、《大军阀》、《八姑》、《十三点》等，受到了人们的普遍欢迎。
这一时期的漫画以讽刺画、滑稽画为主，作品内容多取材于现实生活，以讽刺时弊、笑中带刺、嬉笑怒骂来显示当时社会、民生及政治的不安为题，以单格、四格、六格、八格为主。
60年代末期，受日本漫画影响，新连环漫画（又称公仔画）逐渐取代多格漫画成为漫画主流。1967年，随着日本动画片，如《绿水英雄》、《柔道小金刚》、《铁臂阿童木》、《青春火花》、《超人》等在香港无线电视播放，精明的漫画出版商们在利益的驱动下开始大量翻印这类漫画，一直深受中国漫画熏陶的青年漫画家受到了前所未有的冲击和影响，纷纷走上了摹仿日本漫画之路。黄玉郎、上官小宝、上官小强等纷纷投入新漫画创作，成为备受曙目的一代漫画家。港式漫画的风格以及商业模式也逐渐定型：以武打漫画为主流，兼有科幻、爱情、幽默、灵异等大众题材。武打漫画绘画风格是多线条，多风位线，其他的漫画题材，为了加强气氛的凝聚，多少也会加入一些风位线。当时最受欢迎的作品有《小流氓》、《李小龙》、《小吧女》、《飞女正传》、《小傻仙》、《小醉仙》、《猛鬼冤魂》等等。而老式漫画，如许冠文的《财叔》、《神笔》、《神犬》；王泽的《老夫子》、宋三郎的《傻侦探》、司徒庸的《傻大姐》等，虽然仍有一定的读者，但在市场上却居于弱势。香港漫画的商业模式也在这一时期确立起来：速度极快，一星期出版一册本地薄装漫画，在版面上，一页漫画中可容纳十多格的分格，并多采用电子分色的彩色印刷。
70年代，受欧美性解放思想的影响，香港出现了许多渲染色情和暴力的新连环漫画。这一现象引起了社会各界人士的一致谴责。1974年初，以香港社会工作人员协会和扶轮社三四五区国际少年服务团为代表的各界人士联合发起了“反公仔书之暴力与色情运动”，香港立法局也于1975年7月2日通过了《不良刊物法案》，出版商才有所收敛。这一时期，黄玉郎与上官小宝在漫画市场上各据一方，竞争异常激烈。另外，漫画生产也逐渐由原来的画家单兵作战过渡为工厂式的流水作业：有主笔，副笔；有专人做背景气氛、上网点、画肌肉纹等等。
70年代末，黄玉郎成功地将他手工业式的创作室发展成为上市集团企业。80年代初，黄玉郎将唯一的对手——上官小宝连同公司员工全部兼并吸收，纳入玉郎公司麾下，独领香港漫坛风骚。在黄玉郎的影响下，当今香港漫坛的中流砥柱马荣成、冯志明、狄克等逐渐成熟起来。在1987年，由于民办灾难性股票市场的牵连，黄玉郎个人身陷囹圄，他手下的漫画主笔纷纷离去，自立门户。80年代中期于末期，上官小宝脱离“玉郎集团”，自组公司，即现在的“邝氏”；上官小威也独创鬼书潮流，他的《怪异集》曾在各小学与中学之间风靡一时。这样，黄玉郎、上官小宝、上官小威三家将市场一分为三，香港漫坛出现三足鼎立的局面。
90年代，香港漫画界出现了百花齐放的景象：刘定坚与冯志明合办的“自由人”，马荣成的“天下”，黄玉郎的“玉皇朝”，上官小宝的“邝氏”，牛佬的“浩一”等等，各具特色，五彩纷呈。这一时期，江湖漫画（如：《古惑仔》）和改篇原著漫画（如《街霸》、《待魂》等）也流行起来，与武打漫画共同分切漫画市场的蛋糕。另外，这一时期香港本地漫画在包装、宣传以及赠品促销上都加强了力度。90年代末期，香港网络漫画也受到了普遍欢迎，出版商和网络商纷纷在各自的网页上开始连载漫画，有些漫画加入了电脑和FLASH效果，漫画的形式更趋向多元化的发展。
台湾漫画
我国台湾地区的漫画始于20世纪初，最早为台湾漫画做出贡献的是鸡笼生，他于1935年出版了台湾最早的漫画集《鸡笼生漫画》。1945年，四位具有强烈民族意识和热心本土文化的青年陈家鹏、王花、叶家宏、洪晁明创办了台湾第一本漫画综合杂志《新新月刊》。与此同时，王朝宗的长篇漫画《水虎传》第一集出版，成为台湾光复后的第一本漫画单行本。一年后，他又出版了另一本三国志连环漫画《貂禅》，另外还有《小剑侠》、《梦见芭蕉扇》等，可谓是台湾漫画的第一人。
早期台湾的漫画主要载体是报纸，并且以政治漫画为主。50年代，台湾迎来了儿童漫画的黄金时代。1953年，儿童综合杂志《学友》正式创刊，该杂志凝聚了陈定国、刘兴钦、童叟、星火、黄莺、洪晁明、陈海虹、林玉山、陈进、陈春晖等众知名的漫画家的心血，在市场上创造了销售奇迹，掀起了一股儿童漫画的热潮。受此影响，《东方少年》、《新学友》等同类刊物如雨后春笋般冒出，台湾漫画创作空前活跃。1958年，台湾第一本纯漫画期刊《儿童版漫画周刊》（后更名为《台湾漫画周刊》）创刊，漫画家叶宏甲塑造的《诸葛四郎》成为台湾本土的第一个漫画英雄，在当时产生了广泛的影响。1959年，《模范少年》、《少年世界》、《少年》等漫画周刊也被隆重推出，为这些刊物上撰稿的漫画家陈定国、林大松、简浩正、徐麒麟、陈海虹、刘兴钦等和他们的作品受到了读者的普遍欢迎。其中在一开始还是家普通儿童刊物的《模范少年》杂志在开始连载漫画家陈海虹的作品《小侠龙卷风》之后，红极一时，与《漫画周刊》各撑半边天。
在刊物的带动下，一些新成立的出版社也加入了漫画的竞争之中，台湾漫画迎来了第二次热潮，出版社的竞争如火如荼。当时成立的漫画出版社有文昌、南昌、义明、新台、梦龙等三十几家，其中文昌出版社的出版速度非常惊人，最快时可达到一天出版一本单行本。另外，一些当红漫画家也成立了自己的出版社，如叶宏甲的宏甲出版社、刘兴钦的兴钦画刊杂志社、许松山的松山工作室等等。台湾漫画在50年代末、60年代初达到了颠峰状态。这一时期，影响较大的作品还有：牛哥的《牛小妹》、卢安然的《中华儿女英雄传》、陈定国的《吕四娘》、范万楠的《血魔劫》、钱梦龙的《西游记》和《封神榜》、星火的《梦幻银铃》和《乾隆下江南》、游龙辉的《仇断大别山》和《刃神》、刘兴钦的《小丁丁》、《阿三哥》和《大婶婆》等等。
60年代中期，由于当局对漫画出版物“突然”展开大审查，台湾漫画发展受到重创，盛极而衰，新老漫画刊物、出版社纷纷倒闭，漫画家们颠沛流离，纷纷转业或者搁笔。漫画业呈现一片大箫条的态势。而盗版漫画在这一时期乘虚而入，由于法规不健全，人们的反盗版意识薄弱，70年代台湾市场上流行的漫画主要是以东立和大然两家出版社为首出版的日本盗版漫画。在盗版漫画的带动下，漫画的周边产品，如贴纸、信纸、笔记本等也给经营者带来了极其丰厚的利润。人们形象地将70年代称为台湾漫画的“黑铁时代”。日本盗版漫画的余波在台湾直达80年代，盗版风潮为动漫迷们提供了新的选择，但同时也为台湾本土漫画的创作带来了新的挑战。
70年代末，80年代初，随着台湾地区经济的腾飞，台湾的漫画出版也迎来了新的春天。原来以出版文字书为主的时报出版社在出版了敖幼祥原作《乌龙院》系列之后，成功地杀入了漫画市场。1981年，时报出版社创办了漫画刊物《欢乐》，著名漫画家郑问和蔡志忠在该刊物上发表的作品受到了人们的关注，另外，中国时报从1981年至1983年三年间举办了三届“欢乐漫画新人奖”，着力选拔新人，萧言中、麦仁杰、孙家裕等一批风格与日本漫画迥然不同的漫画家和他们的作品走进了动漫迷的视野，台湾本土漫画复苏的态势渐显。之后，《汉堡》、《周末漫画》、《星期漫画》、《漫画秀》、《漫画剧场》等一批漫画杂志纷纷创刊，号称台湾少女漫画第一人的游素兰，以及高永、张静美、王宜文、徐娟、曾正宗、林政德、阿推等漫画家逐渐成为台湾本土漫画的中流砥柱。总体上讲，60年代中期以后出生的漫画家，由于童年和少年时代读的就是日本盗版漫画，其作品风格很自然地受到了日本漫画的影响，带有很强的日本漫画特点。配合原创漫画的展开，新闻评论漫画也开始兴起，几乎每一份报纸都有一两位专业漫画家撰稿，如《中国时报》的Coco、罗庆忠，《民生报》的老琼、朱德庸等画家的作品深受人们的欢迎。与此同时，四格漫画也随着报业的兴盛而兴起，其中广受欢迎的有四格漫画有：敖幼翔的《乌龙院》、Coco的《二马》、老琼的《蔡田开门》、蔡志忠的漫画系列中国古典作品。
90年代，台湾地区迎来了漫画的“版权时代”，一些有着丰富的制作盗版漫画书经验的出版社，如“东立”和“大然”等，纷纷转向制作正版漫画图书，并占据了最大的市场份额。台湾本土漫画步入正轨，并出现了多元化的态势：不但有年龄段的人，都有属于自己的漫画。一些漫画新秀纷纷出道，代表画家和作品有：练任的《风靡一世》、李勉之的《MISS阿性》、赖有贤的《小和尚》等等。90年代中期以后，我国台湾地区的漫画发展进入了良性循环的态势，并和韩国漫画一起在亚洲地区成为日本漫画强有力的竞争对手。
大陆动漫简史
中国大陆动漫的发展不足百年历史。漫画最早可推至清朝末年，陈师曾在上海的《太平洋报》上发表过一些即兴随意之作，作品小形、着墨俭省而意趣颇浓。1925年，丰子恺在《文学周报》上发表作品，编者将他的作品称为“漫画”，中国开始有了自己的漫画艺术。1926年，万氏兄弟(万籁鸣、万古蟾、万超尘、万涤寰)在资金、设备和资料均短缺的情况下，拍摄了中国第一部动画片《大闹画室》，中国的动画片也由此起步。1930年万氏兄弟又摄制出《纸人捣乱记》。1931年后，在当时反对日本帝国主义的怒潮和左翼文化运动的影响下，“万氏兄弟” 先后拍摄了具有反帝内容的《血钱》、《航空救国》、《民族痛史》、《新潮》；提倡国货的《国货年》、《漏洞》、拒毒片《狗侦探》及献给儿童的寓言片《鼠与蛙》、《飞来祸》、《龟兔赛跑》等20余部黑白动画短片。上海“八一三事变”后，万氏兄弟赴武汉，加入中国电影制片厂，先后创作了《抗战特辑》、《抗战标语》、《抗战歌辑》等配合抗日宣传的动画短片。1940年，万籁鸣、万古蟾应上海新华联合影片邀请，成立卡通部，并创作出中国第一部动画长片《铁扇公主》，1942年完成并发行。影片不仅在国内引起巨大反响，还在新加坡、马来西亚和日本受到欢迎。日本动漫大师手冢治虫也是因为童年时看过这部影片，后来才走上动漫创作的道路。40年代初，具有一定影响力的作品还有钱家骏等在重庆拍摄的动画短片《农家乐》。
新中国美术电影于1947年开始摄制，新中国第一部木偶片《皇帝梦》和动画片《瓮中捉鳖》在东北解放区兴山镇先后诞生。人民艺术家陈波儿和日本动画专家方明(持永只仁)等在人员不足，设备简陋和条件艰苦的情况下完成了这两部影片的摄制工作，为新中国美术电影的发展揭开了序幕。解放后，中国动画迎来了第一个春天：1949年专门摄制美术片的机构——美术片组在长春东北电影制片厂成立。1950年，美术片组迁到上海，成为上海电影制片厂的一部分。随着人员的不断扩大，1957年，上海美术电影制片厂成立，万籁鸣、万古蟾、万超尘、钱家骏、虞哲光、章超群、雷雨、金近、马国良、包蕾等一批著名艺术家、文学家纷纷加入。从此，大陆美术电影就以上海为基地，迅速繁荣发展。一批优秀影片（如动画片《好朋友》、《骄傲的将军》、木偶片《机智的山羊》、《神笔》等）脱颖而出。1953年，美影厂成功拍摄了我国第一部彩色木偶片《小小英雄》；1954年，又首次采用真人和木偶合成的技术完成了木偶片《小梅的梦》。1955年第一部彩色动画片《乌鸦为什么是黑的》诞生。从此，美术片进入了彩色片时期。1958年，剪纸片《猪八戒吃西瓜》因其具有鲜明的民间艺术特色而受到好评，我国动画片也因此增添了一个新的品种剪纸片。1960年，水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》和《牧笛》把典雅的中国水墨画与动画电影相结合，开创了“水墨动画片”这一全新的片种。1960年拍摄的折纸片《聪明的鸭子》将充满儿童情趣的纸偶艺术搬上荧幕，为中国美术电影家族中增添了新的成员。
1961年至1964年，万籁鸣导演、美影厂拍摄的大型动画片《大闹天宫》(上、下集)被隆重推出。它是这一时期最重大的作品，代表着中国美术片一个时代的辉煌。该作品取材神话小说《西游记》，想象力丰富，在造型艺术和动画技巧都达到很高水平，并在世界上产生了广泛的影响，全世界因此而知道中国有一个"Mongkey king"（孙悟空）。这一时期，各类动画片纷纷走向成熟：大型木偶片《孔雀公主》以生动的情节，恢宏的场景，表现了中国傣族地区的美丽神话。影片的精湛技巧，标志着木偶片艺术的成熟。剪纸片《金色的海螺》是这一时期剪纸片中最出色的作品，它发挥了镂刻艺术的特色，使这一古老的民间传统表达得绚丽多彩。《黄金梦》是一部漫画风格的动画片，它以粗犷的线条和夸张的形象讽刺了一群贪得无厌的富豪，成为一种新的动画形式。此外，《小鲤鱼跳龙门》、《谁唱得最好》、《济公斗蟋蟀》、《大奖章》、《人参娃娃》、《没头脑和不高兴》、《等明天》、《冰上遇险》、《红军桥》、《半夜鸡叫》、《草原英雄小姐妹》等，也是这一时期摄制的一批优秀影片。
为介绍中国美术电影的成就，美影厂于1960年举办了“美术电影展览会”。先后在北京、上海等八大城市以及香港等地展出，产生广泛影响，在海外也获得了极大声誉。“文化大革命”十年浩劫中(1966-1976)，美术电影遭受重创，中国动画业在长达十年的时间里停滞不前。
1977年，美影厂恢复了创作生产，从 “文化大革命” 结束到1984年，共拍摄了100多部影片。在题材内容、艺术形式和制作技巧等方面，也取得新的成果。1979年，为庆祝建国30周年而摄制的宽银幕动画长片《哪吒闹海》以浓重壮美的表现形式再一次焕发出民族风格的光彩；木偶片《阿凡提的故事》也是一部出色的影片，其造型夸张，语言幽默，生动地刻划了新疆维吾尔民族的传奇智慧人物阿凡提。动画片《三个和尚》是一部精彩的作品，篇幅虽短，寓意深刻，它既继承了传统的艺术形式，又吸收了外国现代的表现手法，是发展民族风格的一次新的尝试；动画片《雪孩子》体现出一种高尚的精神；水墨动画《鹿铃》抒发了友爱之情，这两部影片都受到好评。这一时期的剪纸片在美术形式上丰富多彩：《南郭先生》表现了汉代的艺术风格、格调古雅；《猴子捞月》使剪纸片造型产生茸茸的质感，创造了一种新的形式。利用这种形式，又拍摄了水墨画风格的剪纸片《鹬蚌相争》，形式优美、内容诙谐，动作细腻生动，丰富了剪纸片的艺术风格。《火童》把装饰性造型和民族艺术特点熔于一炉，风格奇丽新颖。同一时期的影片中，还有《两只小孔雀》、《画廊一夜》、《狐狸打猎人》、《好猫咪咪》、《愚人买鞋》、《黑公鸡》、《小鸭呷呷》、《人参果》、《淘气的金丝猴》、《假如我是武松》、《蝴蝶泉》、《天书奇谭》、《兔送信》、《三十六个字》、《西岳奇童》(上集)、《黑猫警长》等，都是在艺术上达到相当高度的作品。
70年代末期、80年代初，随着社会和经济的转型，中国动画长期以来在创作体制和创作理念上的问题逐渐显露出来。动画界也出现了人才流失、资金短缺、社会的忽视、自身定位不明确……等不利局面。虽然80年代中国依然在生产着艺术短篇，并且不断地在国际上获奖，（至1986年止，有29部影片在国内获奖37次；31部影片在各种国际电影节上获奖46次，国外舆论界赞扬中国美术片“已达到世界第一流水平”，认为它的艺术风格已形成独树一帜的“中国学派”。）但是，中国大陆的动画业却因为忽视市场规律而逐渐地衰弱和萧条，只能望日本、美国以及我国香港、台湾地区动漫业的项背。
80年代美影厂拍摄的优秀动画影片有：刻划了感人的孙悟空形象的大型动画片《金猴降妖》、具有敦煌壁画的古朴风格的《九色鹿》、模拟中国工笔花鸟画的形式摄制而成的剪纸片《草人》、用简练概括的形象表现古代传说的《女娲补天》，以及独具特色的《抢枕头》、《海力布》、《水鹿》、《大扫除》、《网》、《偷东西的驴》、《巫婆、鳄鱼和小姑娘》等等。而系列美术片，也得到了较大的发展，如根据民间故事改编的十三集剪纸片《葫芦兄弟》、根据童话改编的十三集的动画片《邋遢大王奇遇记》、表现了思乡之情，洋溢国际友谊的六集动画片《奇异的蒙古马》、把舞台木偶艺术与电影手法结合在一起的木偶连续片《擒魔传》等等。
90年代初，随着日本盗版漫画在大陆的登陆以及日本动画片的热播，中国大陆掀起了漫画书出版的热潮。1993年，中国大陆出版第一本漫画杂志《画书大王》。该杂志不仅登载日本同步发表的新作，而且培养了很多中国自己的漫画人。现今漫坛上的许多“老将”，如：颜开、陈翔、郑旭升、姚非拉等人，均是《画王》一手培养起来的作者。1994年，《画王》举办了“画王超短篇”大赛，全国众多有潜力的画手被挖掘了出来，成为中国漫画发展的第一批生力军。
90年代中期，政府部门开始了严厉打击盗版的活动，所有正出版的盗版漫画书停止出版，所有出版过漫画书的出版社都要整顿，而一些问题严重的出版社更被停止营业，《画书大王》也在它刚满一岁的时候停刊。盗版书在正规出版社失去了生存的土壤。另外，当屡禁不止的日本漫画和动画大举入侵国内市场的时候，政府高层也有了危机意识：与其一味防守，不如正面迎击，于是在一面限制进口日本漫画的同时，一面加重培养本土画手。中国漫画的“抗日战争”——声势浩大的5155工程由此开始。《北京卡通》、《动漫大王》、《卡通先锋》等杂志纷纷创刊，中国动漫开始了由政府支持与扶植的、继盗版狂潮之后的第二次突围。不计其数的动漫迷和漫画人加入其中，一些优秀的画手也被挖掘出来。他们因此成为中国动漫发展的第二批生力军。但是，5155工程从其总体效果来看是不成功的，到21世纪初，几大卡通杂志销量锐减，生存维艰，而五大卡通基地也名存实亡。
虽然大陆的动漫业目前不容乐观，但中国动漫人依然没有失去希望。从1995年开始筹拍、耗资1,200万元，由超过300位工作人员参与制作，共绘制有150,000余幅动画画面的《宝莲灯》，虽然因其编剧和制作的差强人意以及违背市场规律，在推出后受到了诸多动漫迷的抨击，但它确实代表了中国动漫人从上到下突围的愿望。而遍布全国的漫画同人志、漫画工作室，则是中国动漫产业的星星之火，一旦动漫大潮再次来临，相信这些中国动漫的有生力量将会形成燎原之势，造就中国动漫的真正辉煌。
前方虽然充满荆棘，但我们从未绝望。中国动漫是否能如火凤凰般再生并取得辉煌，我们愿以虔诚之心拭目以待。
（根据网上相关资料整理而成。）